LaCa PROJECTS, Charlotte, NC. USA, 2013.

Juan Dolhare: Towards the sacred by Francine Birbragher

 

Juan Dolhare (Buenos Aires, 1978) was studying law when he realized that what he really wanted was to be an artist.  After being the first student to graduate from the Instituto Universitario Nacional del Arte with a bachelor’s degree in visual arts, in 2005, he dedicated himself to drawing and painting. Over the past eight years, his work has evolved both formally and thematically.

From the beginning, Dolhare’s work focused on political and religious themes. As time went by, a sort of auto-criticism began to permeate his art and his negative criticism shifted towards a more constructive one. As he indicated in a recent interview, “it became a sort of pendulum, a back and forward movement between criticism and vindication, a way to show the two faces of the same coin.”

Religion has also been a constant theme. His fascination for semiotics and his interest in sign processes have nurtured a personal language that includes both religious and pagan symbols that repeat themselves as a formal and compositional strategy.  It is not unusual for Dolhare to include multiple versions of the same object in one painting or to reproduce its reflection as if facing a mirror. This is clearly illustrated in “Persistence” (2008) a painting that depicts six identical abstracted figures of Christ crucified, three on top and three on the bottom, and in “Three Studies for domestic America” (2010), in which he reproduces three maps of the American continent  followed by three identical images of maids in uniform.

Repetition also occurs from painting to painting. It is not unusual to find the same symbols in different canvases, particularly those related to patriotic or religious iconography. Flags, shields and targets are some of the symbols of national identity used by Dolhare in many of his pieces. Bleeding hearts, doves and halos, are recurrent in his paintings throughout his career and clearly indicate the religious nature of his work.

The recurrence of objects and forms in the same work and/or throughout several series goes back to his bachelor’s thesis, which was inspired in part by his readings of French philosopher Giles Deleuze, who believed that the concept of difference is a system of differential relations that creates actual spaces, times, and sensations. From a semiological perspective, repetition provides more information and therefore it may help to better convey a specific message. In Dolhare’s works, repetition is used as a communication strategy. It is interesting to note the way he uses symbols and how he manages to deprive them from their original meaning or content. For example, the dove, which may represent the Sacred Heart in a religious painting, may become an abstract element in his compositions, a simple object painted repetitively on a canvas that may be interpreted by the viewer based on his or her own personal experience. The same occurs with a train or a plane, which in the context of national construction may symbolize modernity, but in his paintings, particularly when abstracted and deconstructed may be seen as plain colored forms.

From this perspective, Dolhare’s works may be seen as collages or juxtapositions of different objects deprived from their original content and charged with new meanings. He is aware of the fact that in many cases, particularly with religious imagery, we are predisposed to interpret certain symbols in a specific way. The dove will always be the Holy Spirit or represent peace, but in the artist’s painting, particularly when reproduced multiple times, it may acquire new meanings the artist may not even be aware of. In the end, he believes the artist is responsible for making the painting, not to explain it. As he indicated, “once it is produced, the work flies…”

The idea of re-contextualizing a common object or symbol is not new. As a matter of fact, it is one of the premises of one of the contemporary art movements Dolhare is very fond of: Pop art. He likes both English and American Pop artists, particularly Andy Warhol who, like him, used repetition as a composition strategy in many of his works. Pop artists used repetition and serial works to reach the masses. He uses repetition and serial work to provide new readings of symbols in different contexts.

Another distinctive trait of Dolhare’s work is its limited palette. “Less is more” when he deals with color. Each canvas is painted with only two or three tones and white. In terms of composition, he juxtaposes flat planes and cloudy like backgrounds of pinks, earth yellows and shades of blue. The result is a two-dimensional composition in which it is very easy to identify the subject matter.

In All your stories (2012), a work that won the National Central Bank’s painting prize in the category of young artists, for example, he represented the chassis of a Russian helicopter found in a cemetery in Chernobyl. The image does not represent the helicopter but rather a kind of zoomorphic shape framed by a cloudy background, a bright blue rectangle and a bare tree. With very few elements he was able to communicate a clear message.

In another work, The flowers of your absence (2010), shown at the Salón of the City of Buenos Aires, also called Salon de Artes Plásticas Manuel Belgrano, in 2012, he plays with simple objects such as the wing of a plane, the door of a military truck, a shield or target,  a bare tree and the repetition of simple flowers, to create a balanced composition that, through the use of specific elements, recalls the symbols of Latin American populism. For him, these objects may relate directly to the Argentinean identity, but most important, to the romantic idea of nationalism without nation.

Dolhare believes in the power of lies implicated in every big story or historic narrative. He also believes in the artistic construction of narratives as existential truths. From both the political and the religious perspectives, he continues to investigate new aesthetic possibilities. He is particularly interested in developing new works inspired by religious populism and he plans to further increase his understanding of symbols of polytheistic religions and other non-Monotheistic beliefs. He focuses on the fact that what were once popular saints and populism broadly, has become archaic remnants in religious or political speeches. From an aesthetic perspective, these have become primordial archetypal images. Most recently, he has focused on the non-Christian origin of the Christian religion and has focused on forgotten collective images which he believes are eternal truths found behind a collective unconscious level.

At this point of his career, he wishes to continue his path towards that direction thematically while he oscillates between abstract geometry and sacred geometry. But be aware that the works will continue to be no more than the basic line applied to an idea. He is, after all, a draftsman who translates specific imagery to the language of paint. As such, he will continue to create a dialectical relationship between the consciousness and the poetic and in many cases surreal representation of carefully balanced universal symbols.


LaCa PROJECTS, Charlotte, NC. USA, 2013.

Juan Dolhare: Hacia lo sagrado por Francine Birbragher

Juan Dolhare (Buenos Aires, 1978) cursaba la carrera de derecho cuando se dio cuenta de que lo que realmente quería era ser artista. Luego de convertirse en el primer estudiante en graduarse del Instituto Universitario Nacional del Arte con una licenciatura en artes visuales en el 2005, se dedicó al dibujo y a la pintura. Desde entonces, su trabajo ha evolucionado formal y temáticamente. En un principio se centró en temas políticos y religiosos. Una especie de auto-crítica comenzó a impregnar su arte y con el paso del tiempo su crítica negativa se volvió más constructiva. Según indicó en una entrevista reciente, su obra "se convirtió en una especie de péndulo, un movimiento hacia delante y hacia atrás entre la crítica y la reivindicación, una forma de mostrar las dos caras de una misma moneda.”

La religión ha sido un tema constante en su obra. Su fascinación por la semiótica y su interés en los procesos de los signos han alimentado un lenguaje personal que incluye símbolos religiosos y paganos que se repiten como una estrategia formal y compositiva. Para Dolhare no es inusual incluir varias versiones del mismo objeto en una pintura o reproducir su reflejo como si este estuviese frente a un espejo. Esta estrategia aparece ilustrada claramente en el cuadro "Persistencia" (2008) una pintura que representa seis figuras abstractas de Cristo crucificado idénticas, tres en la parte superior y tres en la parte inferior del lienzo, y en "Tres Estudios para América Doméstica" (2010), en la que aparecen tres mapas del continente americano seguidos por tres imágenes de empleadas domésticas uniformadas.

La recurrencia de objetos y formas en el mismo cuadro y/o en varias series se remonta al título de su tesis de grado inspirado, en parte, en lecturas del filósofo francés Giles Deleuze, quien sugería que el concepto de diferencia es un sistema de relaciones diferenciales que crea espacios, tiempos y sensaciones reales. Desde una perspectiva semiológica,  la repetición proporciona más información y por lo tanto  ayuda a transmitir un mensaje específico. En las obras de Dolhare la repetición funciona como una estrategia de comunicación. Es interesante observar la forma como utiliza los símbolos y cómo se las arregla para privarlos de su significado o contenido original. Por ejemplo, la paloma que representa el Espíritu Santo en una pintura religiosa puede convertirse en un elemento abstracto en sus composiciones, un simple objeto pintado que puede ser interpretado por el espectador según su propia experiencia personal. Lo mismo ocurre con un tren o con un avión que simbolizan la modernidad en el contexto del discurso de construcción nacional, pero que, en los cuadros de Dolhare, representados en forma abstracta o deconstruídos, se convierten en simples formas geométricas de colores planos.

A partir de esta perspectiva las obras pueden verse como collages o yuxtaposiciones de diferentes objetos privados de su contenido original y cargados con nuevos significados. El artista es consciente del hecho de que en muchos casos, sobre todo cuando se trata de imágenes religiosas, estamos predispuestos a interpretar ciertos símbolos de una manera específica. La paloma, por ejemplo, es comúnmente asociada con el Espíritu Santo o utilizada como símbolo de la paz. Sin embargo,  cuando aparece reproducida varias veces en las pinturas, adquiere nuevos significados que escapan incluso la conciencia del creador. Dolhare cree que el artista es responsable de realizar la pintura, no de explicarla. Según él, "una vez producida, la obra vuela...”

La idea de recontextualizar un objeto común o un símbolo en la obra de arte no es novedosa. De hecho, es una de las premisas de uno de los movimientos artísticos contemporáneos que más admira: el Arte Pop. Tanto los artistas pop  ingleses como los norteamericanos, especialmente Andy Warhol, utilizan la repetición como una estrategia de composición en muchas de sus obras y los trabajos en serie para llegarle a las masas. En el caso de Dolhare, la repetición y el trabajo en serie proporcionan nuevas lecturas de símbolos en diferentes contextos.

Otro rasgo distintivo de su obra es su paleta limitada. "Menos es más" cuando se trata de color. Cada lienzo está pintado con sólo dos o tres tonos y blanco. En términos de composición, generalmente yuxtapone planos lisos y esfumados en tonos rosas, amarillos tierra y azules. El resultado final es una composición bidimensional en la que resulta fácil identificar la materia. Por ejemplo, en Todos tus cuentos (2012), obra que ganó el premio de pintura del Banco Central de la República en la categoría de jóvenes artistas, por ejemplo, representó el chasis de un helicóptero ruso que se encuentra en un cementerio de Chernobyl. La imagen no representa el helicóptero sino una especie de forma zoomorfa enmarcada por un fondo nublado, un rectángulo azul brillante y un árbol deshojado. Con muy pocos elementos el artista logra comunicar un mensaje claro.

En otra obra, Las flores de tu ausencia (2010), presentada en el Salón de la Ciudad de Buenos Aires conocido también como el Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano en el 2012, juega con simples objetos como el ala de un avión, la puerta de un camión militar, un escudo o un blanco para tiro, un árbol deshojado y flores simples, para crear una composición equilibrada la cual, mediante el uso de elementos específicos, recuerda los símbolos del populismo latinoamericano. Según el artista estos objetos pueden estar directamente relacionados con la identidad argentina pero principalmente con la idea romántica de nacionalismo sin nación.

Dolhare cree en el poder de la mentira que inevitablemente está vinculada a cada gran historia o narrativa histórica. También cree en la construcción artística de narrativas como verdades existenciales. Desde la política y desde distintas perspectivas religiosas continúa investigando nuevas posibilidades estéticas. Recientemente se ha enfocado en el desarrollo de nuevas obras inspiradas en el populismo religioso  y en la comprensión de los símbolos de las religiones politeístas y otras creencias no monoteístas. Según él, los que alguna vez fueron santos populares y el populismo, en términos generales, se han transformado en restos arcaicos en los discursos religiosos o políticos actuales. Desde una perspectiva estética, estos se han convertido en imágenes arquetípicas primordiales y por ello se ha centrado en el origen no cristiano de la religión cristiana y en las imágenes colectivas olvidadas que, según él, se encuentran ocultas en el inconsciente colectivo.

En este punto de su carrera desea continuar su camino hacia esa dirección mientras oscila formalmente entre la geometría abstracta y la geometría sagrada. De una u otra forma, sus obras siguen siendo básicamente la línea aplicada a una idea. Dolhare es ante todo un dibujante que traduce imágenes específicas al lenguaje pictórico y su intención es continuar creando una relación dialéctica entre la conciencia y lo poético y, en algunos casos, la representación surrealista de símbolos universales cuidadosamente equilibrados.

 


LaCa PROJECTS, Charlotte, NC. USA, 2013.